Les questions de cinéma sur la programmation de l'édition 2026-2027
Les questions de cinéma sont des interventions thématiques à partir d’un ou plusieurs films de la programmation. À partir d’un axe précis lié à des enjeux de mise en scène, l’intervenant propose aux élèves différents extraits de films. Objectif de ce type d’intervention : amener les élèves à consolider leur pratique culturelle grâce à cette ouverture sur le cinéma.
Pour toutes questions relatives aux interventions en classe : Lou Piquemal - 06 77 62 63 27 - piquemal@acrif.org
Métiers de cinéma : rencontre avec un professionnel (décoration, accessoires, montage son )
Depuis maintenant plusieurs années, la coordination de Lycéens et apprentis au cinéma propose d’explorer les métiers du cinéma: comment se prépare un tournage ? Quels corps de métiers travaillent ensemble ? Comment les professionnels présents sur le plateau se mettent-ils au service de la vision du ou de la cinéaste pour créer un film ? Un professionnel du cinéma - accessoiriste, cheffe déco ou monteuse son - présentera son parcours et son métier à partir de documents de travail et d’extraits de films sur lesquels il a travaillé.
Filmographie indicative :
Aux cœurs des ténèbres : L'Apocalypse d'un metteur en scène, Eleanor Coppola (1991)
Chantons sous la pluie, Stanley Donen et Gene Kelly (1952)
Soyez sympas, rembobinez , Michel Gondry (2008)
Cecil B. Demented, John Waters (2000)
Sogni d’oro, Nanni Moretti (1981)
Perfect Blue, Satoshi Kon (1997)
Questions transversales sur l'ensemble de la programmation
L'Art du costume
Nés dès l'Antiquité avec le théâtre, les costumes se sont progressivement professionnalisés spécifiquement pour le cinéma.
Aujourd'hui, chaque film réunit 1 à 100 personnes pour construire le vestiaire de ses personnages.
A travers les films de la programmation annuelle et quelques exemples de la pop culture, nous verrons comment les costumes jouent sur notre perception des personnages et de l'intrigue, de manière bien souvent inconsciente et découvriront les différents corps de métier impliqués dans leur fabrication pour le 7e art.
Intervention assurée par Céleste Touboul Durante, créatrice du premier média dédié aux costumes de cinéma, Profession : Costumière.
La métamorphose au cinéma
La métamorphose au cinéma ne se réduit pas à la transformation spectaculaire d’un corps ou à l’apparition d’une créature fantastique.
Dans le cinéma fantastique, elle est le produit de longues heures de maquillage et d’une certaine virtuosité des effets spéciaux. Les transformations d’humains à non-humains sont alors, bien souvent, l’illustration de quêtes mentales et métaphysiques.
Nous pouvons également percevoir des métamorphoses moins impressionnantes dans d’autres formes cinématographiques. Ce sont des transformations plus discrètes mais tout aussi importantes de personnages qui, tout en restant humains, deviennent méconnaissables par leurs attitudes ou leurs vêtements.
Comment les films de la programmation mettent-ils en scène les transformations des corps, des identités et des rapports aux autres ? Comment celles-ci proposent-elles des métaphores à la fois intimes et politiques ?
Face à l’altérité
Tokue et Sentaro, Émile et Fix (l’homme-oiseau), Nicolas Philibert et les passagers de l’Adamant... La rencontre avec l’autre permet au cinéma d’interroger ce qui est considéré comme la norme, la marge et le rapport de chacun aux deux. Ces personnages apparaissent alors, quand ils tentent de s’intégrer, comme des révélateurs de l’hypocrisie générale : on ne veut plus les distinguer, mais on ne veut pas vivre avec eux non plus. Comment les cinéastes font-ils état de la confrontation à l’altérité ? Comment la programmation annuelle permet-elle au spectateur de regarder, de comprendre ou de questionner cette altérité ?
Certains l'aiment chaud
Le travestissement, genre et genres
Pourquoi le film de genre a-t-il une portée politique depuis ses commencements ? Qu’est-ce qu’un film « travesti » ? Quelle circulation peut-il y avoir entre questionnement des normes de genre et des normes de genres cinématographiques ? Dans Certains l’aiment chaud, Billy Wilder joue à la fois sur les codes du masculin/féminin en travestissant ses deux protagonistes, mais aussi sur les codes de la comédie burlesque et du film noir (ses deux spécialités). Les codes genrés masculin/féminin et de genres cinématographiques sont ici travaillés et détournés avec audace, en rupture avec le cinéma classique. Comment la mise en scène du travestissement fait de ce geste un espace de trouble et de liberté permettant de questionner à la fois de détourner les codes cinématographiques, de questionner les normes de genre et plus largement les normes sociales ?
Le cinéma classique américain
Sorti en 1959, Certains l'aiment chaud s'inscrit dans le classicisme hollywoodien ou le cinéma classique américain, période de l’histoire du cinéma qui s’étend de la fin des années 1920 jusqu’aux années 1960. Le cinéma classique américain repose sur des codes précis : narration linéaire, stars, montage lisible etc. En transgressant un certain nombre de normes, notamment le code Hayes en vigueur de 1930 à 1968, le cinéma de Billy Wilder reste le produit d'une industrie cinématographique dont beaucoup parle comme de l' "Âge d'or" d'Hollywood. Comment les choix de mise en scène du cinéma classique américain construisent-ils notre regard et notre rapport au récit ? Que reste-t-il de ce classicisme dans le cinéma contemporain ?
Hyènes
Mettre en scène la justice
Hyènes érige en son sein un tribunal populaire. Cette instance a la charge d’un jugement, surtout elle se dresse pour délivrer une sentence et par là-même établir une vérité, mais est-ce la Vérité ? Évoquant à la fois un « film de procès », genre où le spectateur se voit – se croit – littéralement au cœur du prétoire dont il ne peut moralement s’échapper, et au théâtre classique, où la justice des dieux et le fatum sont moteurs de toute action, Hyènes ne permet pas au spectateur de choisir aisément son camp. De nombreux éléments, comme la présence animale, maintiennent le public à mi-chemin entre le processus classique d’identification et un certain regard critique. Comment la mise en scène de la justice guide-t-elle notre regard et notre jugement sur les personnages ?
Cinéma sénégalais, histoire et représentations
Que connaît-on du cinéma sénégalais ? En partant de Hyènes, il s’agira de faire une traversée dans le cinéma sénégalais, de l’indépendance du Sénégal en 1960 jusqu’au cinéma contemporain. Dans son film, Djibril Diop Mambéty dépeint une société sénégalaise post-coloniale. Quelle place le cinéaste occupe-t-il dans le cinéma de cette période ? Par quels choix de mise en scène le cinéma sénégalais permet-il de questionner le regard occidental sur cette société et sur ses propres films ?
Les Délices de Tokyo
Cuisine et nourriture au cinéma
Dans Les Délices de Tokyo, les trois protagonistes, issus de trois générations différentes, se retrouvent autour de la fabrication de dorayaki. La cuisine devient alors l’occasion de partager un moment, des gestes, un lieu. Elle met également en jeu les sens et devient une expérience, à la fois pour les personnages mais aussi le spectateur. À travers la mise en scène, la cinéaste Naomi Kawase fait de ces séquences des mises à nue des personnages qui explorent à la fois leurs relations et leurs rapports au monde. Par quels partis pris esthétiques ces moments de cuisines deviennent-ils des enjeux narratifs forts ?
Choisir sa famille
Du film de Steven Spielberg E.T. au récent film d’animation français Ma vie de courgette, beaucoup de films ont été l’histoire de personnages isolés, perdus, abandonnés qui ont trouvé, au fil de l’intrigue cinématographique, des alliés, des amis, une famille. Dans Les Délices de Tokyo Tokue, Sentara et Wakana, trois personnages de générations différentes, construisent une famille sans avoir de lien de sang. Comment la mise en scène fait-elle émerger des liens familiaux entre des personnages, jusqu’à donner l’image d’une famille atypique mais choisie ?
Le Règne animal
Cinéma fantastique et adolescence
Dans le cinéma fantastique, les adolescents retrouvent de manière symbolique et exacerbée les bouleversements propres à cet période de changements et d’incertitudes : la découverte du corps, de la sexualité, de sa propre force physique, la rencontre de l’autre, l’initiation via une mise en danger contrainte ou volontaire, avec les risques inhérents de blessures mais aussi de félicité. Quels ressorts esthétiques et thématiques présents dans le cinéma fantastique permettent de retranscrire l’expérience adolescente ?
Frontière homme/nature
Dans Le Règne animal, une étrange maladie produit des mutations génétiques qui transforment peu à peu les malades en animaux. Questionnant alors ce qui fait l’homme et ce que l’on rejette chez les autres êtres vivants, le film nous dévoile que la frontière entre l’homme et l’animal n’est pas aussi nette que ce que l’on aime croire. Tourné dans la forêt des Landes de Gascogne, la nature est associée à la liberté, en opposition à l’enfermement et à la stigmatisation que subissent les malades pris en charge par les pouvoirs publics. Que ce soit par le tournage en décors réels, les effets spéciaux, les cadrages ou le son, quel discours le cinéma de Thomas Cailley porte-t-il sur la relation entre l’homme et la nature ?
Sur l'Adamant
Filmer le réel
Comment le réalisateur d’un film documentaire utilise les outils du cinéma pour offrir son point de vue, sa représentation de la réalité ? Le cinéma documentaire n’est pas, comme le voudrait une croyance commune, l’enregistrement fidèle et objectif de la réalité. Au contraire, le film naît de la relation entre le filmeur et le filmé. Dans Sur l’Adamant, cette relation est l’un des enjeux centraux du film, participant à faire de la filmographie de Nicolas Philibert un cinéma de la rencontre. Comme tout documentariste, il transforme ce réel, y compris poétiquement, pour le révéler au moyen du montage, du cadrage, des choix de lumière et du travail sur le son. La spécificité de ce cinéma d’interaction est donc de se saisir de situations, issues de la confiance des personnes filmées, avec un point de vue autant esthétique que moral. Comment les choix de mise en scène transforment-ils le réel filmé et construisent-ils le regard du spectateur ?
Les représentations de la folie
Filmer des personnes souffrant de troubles psychiques pose la question de leur représentation et du risque de renforcer les stéréotypes. Dans le cadre documentaire, comme c’est le cas dans Sur l’Adamant, des précautions doivent être prises par le cinéaste pour ne pas heurter celui qui est filmé. Dans une société où parler de la santé mentale reste tabou, où les personnes ayant des troubles psychiques sont stigmatisées et où les termes « folie », « fous » sont trop souvent utilisés avec une connotation négative, le cinéma et les films peuvent être à la fois des espaces de stigmatisation et d’émancipation pour ces personnes malades représentées. Que ce soit dans le documentaire ou dans la fiction, comment le cinéma crée-t-il des représentations dans lesquelles les personnes souffrant de maladies mentales et troubles psychiques peuvent exister en-dehors de stéréotypes et d'images discriminantes ?